ariane lopez

Ariane Lopez-Huici a commencé à photographier le corps humain en 1975. Ses images conservent le plus souvent des rencontres avec des individus en marge de la société engagés dans une vie vouée à la culture. Ils célèbrent le mouvement du corps et cherchent à défier les normes de la beauté classique. Dans l'œuvre de Lopez-Huici, le corps est plein de vie, digne d'une sculpture et immortalisé, tous deux empreints de poésie, de calme, d'équilibre, de force et de force.

Une série de nouvelles œuvres de l'artiste a pris une curieuse tournure avec la peinture et la couleur. Elle modifie de petits tirages à la gélatine argentique noir et blanc en peignant directement dessus avec un minimum de coups de peinture acrylique et de bâton d'huile, avant de photographier numériquement et d'imprimer l'image améliorée à une échelle agrandie. Que fait la peinture sur ces images devant nous ? En 2006, Lopez-Huici a réalisé une série de photos intitulée Scratches où le film Polaroid a été altéré à travers des lignes, des rayures, des courbes et des gribouillis, créant une imagerie abstraite dans le carré du film non exposé. Ses premiers autoportraits et Vénus de Manhattan dans les années 1990 manifestent également un gribouillage, des taches et des marques sur la photographie, le premier sur sa propre silhouette et le second sur un modèle plus corpulent (faisant référence à la Vénus de Willendorf) comme les deux apparaissent et disparaissent dans l'éclairage dramatique et mystérieux du studio.

Lopez-Huici cite souvent des peintres figuratifs comme influences dans son travail, notamment Eugène Delacroix et Peter Paul Rubens ainsi que son engagement avec le penchant moderniste pour l'extatique. Dans cette sélection de poses, nous voyons comment le sujet a transgressé le corps dans un domaine de transe ou d'extase se déconnectant du monde physique dans celui de l'esprit comme on peut le voir dans les films ethnographiques de Jean Rouch en Afrique sur les rituels et pratiques Songhaï. La seule photographie offrant son regard féroce avec le spectateur est Dalila 4, la plupart des autres ont le regard tourné vers l'intérieur, vers leur corps en action. Les marques de peinture sont elles-mêmes une forme de transe pour Lopez-Huici, qui s'engage d'abord avec son propre corps face à photographier le modèle dans son studio avec la liberté d'un appareil photo portable, mais trouve ensuite des moyens de mettre en évidence ou d'obscurcir la tête ou le corps. dans des couleurs primaires de rouge, jaune et orange.

Les gestes sont rapides, fougueux, en furie, et taillés dans l'image. Parfois, la couleur ajoute une certaine puissance, notamment celle de la tête de Dalila 7 (2011-2020) avec une bande sensuelle jaune renforçant son front noble, son nez et sa bouche fermée dans une posture assurée. Cela contraste avec Dalila 14 (2011-2020) où la dégradation de ses yeux avec un bâton d'huile rouge suggère une agitation alors que nous regardons une bouche ouverte - un cri ou un rugissement.

La relation de Lopez-Huici à ses sujets nous emmène plus profondément en expérimentant à travers son travail certains des excès rendus possibles par le corps humain, sa chair, son extase, ses joies et ses défis. Aujourd'hui, nous reconnaissons des beautés plus diverses qui détiennent le pouvoir et l'influence au sein de notre société. Au milieu des combats constants pour l'humain, c'est là que le travail de Lopez-Huici a sa place.

Amanda Millet-Askest un artiste et contributeur du Brooklyn Rail.